Il y a sur la toile un disque orangé - ou rouge ou cyan - qui n’est peut-être qu’un disque ou

alors le soleil d’un autre système ou alors un électron dont la charge attire à lui d’autres particules en des phénomènes invisibles à l’humain. Autour de ce disque : des lignes, fines, tracées à la règle, des courbes, acryliques, grumeleuses, peintes à main levée. Ces lignes comme ce disque représentent un infiniment grand, ou un infiniment petit, un paysage spatial ou moléculaire, ou rien de tout cela.

L’abstraction des toiles d’Alex Pariss invite à une exploration, alors il faudra peut-être se

demander où elle peut nous mener.

Dans un voyage temporel, un raid à travers son référentiel dans l’histoire de l’art ?

La dimension cinétique, qui transparaît dans les lignes et le mouvement qu’elle imprime au regard, n’y est peut-être pas une destination, une tradition dans laquelle s’inscrirait la

pratique d’Alex Pariss, mais un point de départ : la base d’une relation, d’une interaction, avec celui ou celle qui regarde ces toiles. Pourtant, cette interaction n’est pas uniquement sensorielle, à la manière de celles pensées par les précurseurs de l’Op art, d’Alberto Biasi aux artistes du GRAV comme François Morellet ou Julio Le Parc. Le regard y est poussé à voyager, à dépasser cette seule dimension cinétique et plonger dans d’autres mondes. On pourra dire, alors, que les toiles d’Alex Pariss produisent avant tout une interaction narrative.

Si elles s’imprègnent de la croyance Memphis dans l’agencement du hasard de l’expérience synthétique et anhistorique du réseau, esthétisée par le courant V a p o r w a v e, les toiles d’Alex Pariss n’invitent peut-être alors qu’à explorer les récits qui siègent en chacun de nous. L’abstraction, les lignes cinétiques, les compositions jouant avec les échelles et les niveaux du regard, deviennent les ressorts d’une sorte de paréidolie qui ferait apparaître non pas les formes mais les fictions.

Un homme de ma génération y verra peut-être une planche hallucinée de Neon Genesis Evangelion, anime mecha et psychanalytique diffusé en 1995, de son prédécesseur Akira

(1982), ou bien le contre-champ d’une scène des adaptations pre-numériques de Dune, qu’elle soit de Lynch ou Jodorowsky. Peut-être ces références sont-elles partagées par l’artiste.

Qu’en sera-t-il pour d’autres ?

Il y a une richesse à se dire que l’on ne pourra répondre à cette question.

À se dire que la rencontre avec une oeuvre d’art, lorsqu’elle rencontre l’intime de notre

mémoire, et devient par là marquante, “individuante”, n’est pas la rencontre d’un absolu,

celui d’une réalité complète de l’oeuvre, avec un autre, un individu unique et interchangeable, mais plutôt la rencontre de singularités : celles qui se font écho entre des parcelles de l’oeuvre, visibles ou non, et des bribes de souvenirs réactivées, de références communes qui s’interpénètrent sans dire un mot.

Ainsi, le disque et les lignes et les courbes sont tout ce que vous voulez bien qu’iels soient, pourvu que vous vouliez bien y voir autre chose.

CR : J'ai choisi Horizon comme titre de cette édition de Gemallarte 2022, pour nous rappeler l'importance et le pouvoir de cette ligne imperceptible suspendue entre le visible et l'invisible qui contient tout ce qui est imaginable et inimaginable dans l'univers. Être capable d'aller au-delà est la clé de tout. Même de notre existence. Alex Pariss, a franchi cette ligne, a franchi l'horizon, imaginant une réalité où un soleil pair peut se lever sous un pont. Chacun peut voir n'importe quoi dans ces sphères parfaites et belles, mais leur signification dépasse toute conception possible. L'artiste a donné un autre soleil, une autre possibilité, à un monde qui, très souvent, n'y arrive pas. Lorsqu'Alex et moi sommes passés sous le pont où la fresque a été réalisée, nous avons réalisé à quel point les lieux qui deviennent synonymes d'une existence parfois abandonnée et laissée de côté méritent l'attention. Mettre un peu de lumière, ici aussi, signifie bien plus que mettre un peu de couleur. La fresque de Pariss suscite l'espoir et trace des lignes pour de nouveaux horizons. Et je veux espérer qu'à travers l'art, cela aussi est possible.

Alex, grâce à ton travail d'aujourd'hui, notre ville a un autre soleil. Un autre soleil, cela signifie une autre possibilité, de nouveaux horizons sont possibles, cela n'a été possible que grâce au pouvoir de l'art. Quelle est l'importance de ce travail pour vous ?

AP : Le Soleil est un astre extrêmement représenté dans toutes les civilisations. Il est l'un des grands symboles de la vie sur terre. Amènant prospérité, chaleur et bien-être, sa puissance est tel qu'il est dans beaucoup de cultures adulé au même titre qu'une divinité. Sa présence dans nos esprits est unique car il est l'une des sources de notre création sur cette planète. Sans lumière, la vie sur terre n'existerai pas. Aussi, sa forme elliptique joue un rôle important dans mon approche esthétique car directement lié à la symbolique du "Cercle" et donc de l'unité, de l'harmonie, exercant une réelle fascination sur l'imaginaire et apparaît comme une figure universelle de contemplation et de méditation. Intégrer cet élément abstrait dans l'architecture de la cité, lieu de rencontre des citoyens, est à mon sens une démarche faite pour parler à l'inconscient du publique. Le Soleil/le Cercle a cette force de pouvoir rassembler les esprits avec sérénité.

CR : Travailler à ciel ouvert est un dialogue qui s'adresse à tous, le spectateur est libre d'apprécier l'œuvre par lui-même, en toute autonomie, contrairement à l'intérieur d'un musée ou d'une galerie, les images acquièrent une valeur universelle, c'est là que réside la force de l'art urbain, quelle importance revêt cet élément pour vous ?

AP : Je me suis beaucoup posé la question de ce que l'art urbain pouvait apporter de plus dans le monde de l'art en général et je me suis fait cette analyse qu'il avait cette capacité de s'inscrire où il veut, quand il veut, sans réel contrainte. Cela va peut-être déplaire à certains car il y a matière à réflexion en effet, mais j'ai l'intuition que l'art urbain est devenu plus qu'un simple mouvement, pour moi il est le support ultime et universel pouvant accueillir tous médiums et mouvements artistiques, aujourd'hui il est plus question de "contexte" et "d'espace" que de démarche artistique comme fut le cas du graffiti dans les années 80. L'art urbain se veut libertaire et démocratique, ce qui engendre naturellement l'apparition d'artistes de tout horizon, des plus amateurs aux plus confirmés. Il est un vecteur, une passerelle entre un publique non averti et des arts plus élitistes, enseigne aux habitants à éprouver de l'intérêt pour les arts visuels et la culture en général.

CR : Nous qui travaillons dans le monde de l'art avons une tâche très importante. La nôtre est une véritable mission. La culture est une nécessité première dans la vie de tout être humain. Je ne peux pas m'en passer, je ne pourrais jamais vivre sans et je travaille avec détermination pour que chaque personne puisse apprendre à être émue par la richesse de l'art. Votre travail, en plus d'avoir une valeur esthétique, a une valeur éthique, vous avez réussi à laisser un message important, et c'est ce qui compte. Aucune personne passant devant votre œuvre ne pourra rester indifférente, et savoir que tout passant peut s'arrêter ne serait-ce qu'une seconde pour observer et réfléchir, m'excite. Merci Alex

AP : Merci Chiara pour ton enthousiasme et ton investissement. L'art et la culture n'ont pas de frontières et nous permettent d'ouvrir des portes allant au-delà du simple divertissement. Ils attisent la curiosité de chacun, développent les sens et affinent notre réflexion pour une compréhension plus juste du monde. Promouvoir la culture sous toutes ses formes ne peut qu'apporter du renouveau dans nos valeurs, nos mentalités, nos moeurs, des fois dépassées par les évènements.